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Le carnaval est souvent réduit à des costumes, des couleurs et un spectacle. Pour Weldon Ryan , c'est une culture vivante, un mouvement, une présence et une communauté immortalisés sur la toile. Né à Trinité-et-Tobago , Ryan traduit l'énergie du carnaval caribéen dans des peintures de grand format qui capturent à la fois la splendeur et les personnes qui l'incarnent. Ryan photographie les participants aux carnavals de la diaspora caribéenne et s'inspire de ces rencontres pour ses peintures. Ses compositions, concises, immersives et vibrantes, invitent le spectateur au cœur de la scène plutôt que de le tenir à distance. Chaque coup de pinceau souligne le réalisme et le mouvement, reflétant l'énergie humaine qui anime le Carnaval. Pour reprendre les mots de Ryan : « Exprimer l’art du carnaval est ma principale motivation… Mon utilisation de la couleur… attire l’attention, créant un dialogue qui, à son tour, raconte l’histoire de la culture caribéenne. » ( Musée d’art Ormond ) Son œuvre se refuse à toute idéalisation. Le carnaval n'est pas qu'une simple fête ; c'est une affirmation culturelle et une expression collective , incarnée dans chaque figure qu'il peint. À travers le regard de Ryan, le carnaval devient à la fois un témoignage visuel et une expérience vécue et présente. Pour Ryan, le Carnaval ne se résume pas à la couleur. Il s'agit de gens, de présence et de mouvement, capturés dans la peinture à l'huile sur toile – une pratique qui documente l'identité caribéenne et invite les publics du monde entier à en constater la profondeur et la vitalité. Vous pouvez découvrir d'autres peintures de carnaval de Weldon Ryan ainsi que l'ensemble de son œuvre sur son site web à l'adresse weldonryan.com .

De San Juan à Barcelone, l'artiste portoricain Ekosaurio métamorphose les murs en écosystèmes vibrants. Ses fresques, foisonnantes de végétation et de couleurs éclatantes, insufflent l'énergie des paysages caribéens aux espaces urbains du monde entier. Au lieu de représenter la nature comme un simple paysage, Ekosaurio la conçoit comme un langage vivant. Son œuvre ne recherche pas le réalisme, mais s'attache plutôt à restituer l'énergie des paysages caribéens – leur beauté, leur vitalité et leur croissance – dans des compositions à la fois ludiques, immersives et vivantes. « SOMOS DE AQUÍ » (2024) de Ekosaurio. Une fresque qui célèbre les habitants et les espèces natives de Porto Rico, reflétant la résilience face au déplacement.Vidéo avec l’aimable autorisation de  ekosaurio.art . La nature comme langage visuel Inspiré par la flore, la végétation et l'intelligence du monde végétal, il crée des systèmes visuels qui se développent sur les murs. Les formes s'entrelacent, suggérant interconnexion et vie. La couleur se métamorphose en atmosphère : vive, humide et d'une audace assumée. En intégrant des formes tropicales à l'espace public du monde entier, Ekosaurio crée un dialogue entre l'écologie caribéenne et la vie urbaine partout où son œuvre est présentée. Ses fresques murales agissent comme des ambassadeurs culturels, diffusant le dynamisme des Caraïbes dans des villes bien au-delà des frontières de l'île. Des racines caribéennes et une portée mondiale Bien que d'origine portoricaine, l'influence d'Ekosaurio est internationale. À Miami, son travail a été présenté au Wynwood Mural Fest, avec des œuvres nominées pour le prix mondial de la meilleure fresque murale. À Barcelone, ses études et ses projets lui ont permis de fusionner la sensibilité du design européen avec l'énergie esthétique caribéenne. « De la montagne à la mer » (juin 2021) à Barcelone, par Ekosaurio. Image avec l’aimable autorisation de  ekosaurio.art . Chaque fresque reflète à la fois ses origines et ses voyages, interprétant la nature caribéenne dans une perspective globale. Ainsi, son œuvre invite les spectateurs du monde entier à découvrir la végétation, les couleurs et la vie tropicale au sein d'environnements urbains dominés par le béton. De la rue au système Ekosaurio a débuté par le graffiti, apprenant à se déplacer dans l'espace urbain avec spontanéité et rythme. Fort de son expérience en design environnemental et en conception centrée sur l'utilisateur, il conçoit les murs non comme des toiles vierges, mais comme des systèmes au sein de l'espace public, intégrant architecture, mouvement et communauté. Cette approche garantit que chaque fresque murale trouve un écho local tout en ayant une portée universelle, reliant ainsi l'intime au global. Un dialogue en direct Là où la nature caribéenne rencontre la ville, les fresques d'Ekosaurio créent des moments de reconnexion. Elles n'invitent pas le spectateur à fuir la vie urbaine, mais à observer la croissance déjà présente. À travers les continents, de Porto Rico à l'Europe et à l'Amérique du Nord, son œuvre nous rappelle que la nature, l'identité et la culture peuvent s'épanouir dans chaque ville. « Mundo Escondido » (septembre 2022) – de Ekosaurio. Une fresque à Aigües Barcelona qui imagine le monde caché sous les plantes flottantes. Commissariée par @rebobinart pour Water Wall 2022.  Image avec l’aimable autorisation de  ekosaurio.art . En traduisant la vitalité des Caraïbes en art public à l'échelle mondiale, Ekosaurio affirme que les villes, comme les écosystèmes, sont des systèmes vivants et que la croissance est inévitable.

L'avenir de l'art caribéen se définit moins par les tendances actuelles que par les questions que nous nous posons aujourd'hui. Ces questions portent sur le travail, l'accès à l'art, la visibilité, la durabilité et la confiance. Souvent négligées, elles façonneront pourtant l'écosystème artistique pour les années à venir. Qui est inclus et qui est exclu ? L’art caribéen est parfois présenté comme un récit unique, alors que la région est composée d’une multitude d’histoires, de langues et d’expériences. Quels artistes bénéficient d’une visibilité et lesquels restent invisibles ? Les systèmes que nous mettons en place sont-ils capables de soutenir véritablement la diversité, ou ne font-ils que reproduire les mêmes schémas sous un nouveau jour ? Que signifie réellement soutenir l'art caribéen ? Souvent, ce soutien se résume à acheter des œuvres ou à assister à des expositions. Un véritable soutien va bien au-delà. Il inclut une rémunération équitable, l'accès aux ressources, le temps d'expérimenter et la reconnaissance d'un travail souvent invisible. Les institutions, les communautés et le public sont-ils prêts à apporter un soutien qui pérennise cette pratique plutôt que de simplement la célébrer ? Qui documente l'œuvre, et comment ? Sans une documentation rigoureuse, même les œuvres majeures risquent de tomber dans l'oubli. Qui écrit sur l'art caribéen, et quelles voix sont entendues ? Quels récits sont ignorés ? Sans un inventaire complet et contextualisé, l'œuvre elle-même repose sur la mémoire, et la mémoire peut être sélective. Qu’est-ce qui constitue le succès ? Trop souvent, la validation externe est considérée comme le principal critère de valeur. La reconnaissance internationale a-t-elle plus de valeur que la vitalité des écosystèmes locaux ? Privilégions-nous la visibilité à la profondeur, à la résilience et à la prise de risque ? Nous demandons-nous si nos indicateurs de réussite actuels reflètent véritablement ce qui compte pour l’art caribéen ? Comment bâtir un avenir durable à l'échelle locale ? Le débat porte en grande partie sur l'art caribéen dans un contexte mondial. Mais que signifierait renforcer les réseaux, les infrastructures et les publics régionaux pour que la créativité caribéenne puisse s'épanouir pleinement ? Quelles mesures peuvent être prises dès maintenant pour garantir la pérennité de ces systèmes, au-delà des modes passagères ? Enfin, quelles questions oublions-nous de nous poser ? Les plus urgentes sont peut-être celles qui passent inaperçues. Quelles hypothèses ne sont jamais remises en question ? Quelles pratiques persistent simplement parce que nous les avons acceptées comme inévitables ? Ces questions n'ont peut-être pas de réponses immédiates. C'est précisément là l'essentiel. L'art caribéen se développe par étapes, souvent discrètement et sans être remarqué. Les conversations que nous entamons aujourd'hui, même sans conclusions définitives, jettent les bases de l'avenir. Poser les bonnes questions est peut-être plus important que de trouver les bonnes réponses. L'avenir de l'art caribéen repose non seulement sur la création, mais aussi sur la curiosité, le courage et la volonté d'affronter ce que nous ne comprenons pas encore.

David Sykes crée des œuvres d'art qui explorent la culture internet, l'ironie et le quotidien. Parfois, tout à la fois. Travaillant principalement par le biais de procédés numériques, sa pratique combine humour, observation et références culturelles familières pour susciter des moments de joie, même dans l'inattendu. David Sykes est né à Kingston, en Jamaïque, « au XIXe siècle », comme il le dit en plaisantant. Dès son plus jeune âge, il a été attiré par l'art, inspiré non pas par les musées ou les galeries, mais par l'imagination de sa cousine, Cameka. « Elle pouvait dessiner ce qu'elle voyait, ce qui était formidable, mais lorsqu'elle dessinait d'après son imagination, c'était incroyable. » Cette étincelle, combinée à un petit moment de rivalité enfantine, l'a engagé sur une voie qui allait mêler humour, sens de l'observation et amour du familier. Le jour, Sykes est designer et directeur artistique, fort de plus de 17 ans d'expérience dans la publicité locale, régionale et internationale. La nuit, il crée des œuvres qui juxtaposent des thèmes apparemment sans lien, du petit-déjeuner au trouble dissociatif de l'identité, le tout dans une quête de joie. Je veux que les gens se sentent bien. Qu'ils sourient ou qu'ils éclatent de rire . Même s'ils trouvent mon travail idiot, ce n'est pas grave non plus. L'art de la con-texture Sykes décrit son style artistique comme reposant sur deux piliers : la texture et le contexte. Ou, comme il le dit avec humour, la « contexture ». La texture est manifeste dans la superposition des couches de son œuvre. Le contexte, quant à lui, établit un lien inattendu avec le spectateur et le familier. OŒuvres de sa série « Birth, Life, Death »  réimaginant la vie quotidienne jamaïcaine avec humour et contexte. Les idées commencent souvent modestement, explique-t-elle. Un projet de livre pour enfants sur les leçons de la vie peut par exemple se développer en une trilogie. Ses techniques de prédilection incluent le dessin à la plume et à l'encre, ainsi que la sérigraphie, qu'elle reproduit souvent numériquement. Explorer la joie et l'absurdité Sykes trouve la joie aux intersections de l’inattendu, de la nourriture à la culture Internet. La joie est au cœur de l'œuvre de Sykes, présente aussi bien dans les situations quotidiennes que dans les plus absurdes. Randonnée, temps, boissons chaudes, colonialisme, culture internet, petit-déjeuner… tout peut devenir un point de départ ludique pour le spectateur. Bien que ses expériences personnelles n'influencent pas directement son art, son identité l'imprègne subtilement. Mon identité y contribue-t-elle, peut-être pas ? Ce qui compte, c’est le lien que ressent le spectateur. Projets et récompenses Un moment de joie. David Sykes à la National Gallery of Jamaica, faisant partie de One Nation. New Symbols. Sykes expose actuellement deux œuvres à la Galerie nationale de Jamaïque dans le cadre de son exposition « Une Jamaïque. Nouveaux symboles. » Ces pièces, intitulées « Lada D » et « Sims Tea », prolongent son approche à la fois ludique et incisive de la critique culturelle. Les images d'aperçu qui accompagnent cet article sont intentionnellement floutées, invitant le public à découvrir les œuvres dans leur intégralité à la Galerie nationale de Jamaïque . Cette reconnaissance institutionnelle s'inscrit dans un parcours jalonné de succès et de collaborations marquantes dans la carrière de Sykes. Parmi celles-ci figurent le concours international de création d'affiches Crestock.com en 2008, son exposition de fin d'études, organisée avec le soutien de ses proches, et des expositions telles que « The Arrivals » en 2010, largement considérée comme la première exposition en Jamaïque à reconnaître le graphisme comme une forme d'art. Parallèlement à ces succès publics, des projets plus modestes et personnels ont eu une importance égale. L'une de ces œuvres, une pièce de tissu imprimée au bloc créée durant sa deuxième année d'université, a ensuite été transformée en jupe par sa mère – un geste qui a discrètement renforcé sa confiance en elle à un moment charnière de sa carrière. Défis et croissance Le doute, tant intérieur qu'extérieur, a été un défi récurrent. Sa stratégie a été la persévérance. Rien ne vaut le mouvement continu pour y remédier. Je continue simplement à créer. Au fil du temps, son humour a évolué, passant de plaisanteries légères à un humour plus sombre et plus complexe, reflétant à la fois sa croissance personnelle et son objectif de générer de la joie. Vie et vision du studio Une journée type comprend des courriels, les réseaux sociaux, des jeux, des repas, des siestes, des activités créatives et parfois une crise de nerfs. Les promenades en plein air et Pinterest aident à surmonter les blocages créatifs. Pour l'avenir, Sykes espère disposer d'un studio plus grand afin de donner vie à des idées et à des œuvres d'art de plus grande envergure, ayant un impact significatif à grande échelle. Réflexions finales David Sykes invite le public à rire, à réfléchir et à créer des liens à travers son œuvre. L'art de Sykes mêle récits littéraux, humour subtil et commentaire culturel. Bon nombre de ces histoires apparaissent sur Instagram : @dssykes. « Entre mes mains, l’ordinaire devient extraordinaire, le banal devient joyeux, et même l’inattendu trouve un sens. » David Sykes invite les spectateurs à rire, à réfléchir et à créer des liens, une œuvre d'art curieuse à la fois.

Le lieu de création est important. Pour l'artiste guadeloupéenne Kelly Sinnapah Mary, l'environnement de son atelier est indissociable de sa pratique artistique. Si mon atelier était ailleurs, ma pratique serait très différente. Quand j'entre dans mon atelier, j'entends les coqs chanter. Je sens le soleil. J'entends mon fils jouer avec ses cousins. Son œuvre, profondément ancrée en Guadeloupe, est façonnée par le lieu, le quotidien et ses origines , et témoigne d'une remise en question constante des visions coloniales du monde. À travers ses peintures, Sinnapah Mary explore la présence, la retenue et l'intériorité , offrant une perspective unique sur la féminité caribéenne. Kelly peignant devant son atelier, avec des poules se promenant à proximité et le doux murmure de la nature tout autour. Courtoisie de l’artiste, via Instagram. Le lieu comme pratique Kelly Sinnapah Mary a délibérément installé son atelier à Guadalupe. Pour elle, le lieu n'est pas un simple décor, mais un véritable collaborateur. Les sons, la lumière et les rythmes de son environnement influencent le rythme et la sensibilité de son œuvre. Cet enracinement est fondamental à la manière dont ses figures occupent l'espace : calmes, sereines, et jamais en représentation pour le spectateur. Sous sa plume, l'immobilité devient une forme d'autorité. Lignée et philosophie Dans la pratique artistique de Sinnapah Mary, famille, ascendance et héritage s'entremêlent. Elle a rendu hommage à sa grand-mère paternelle, qui a inspiré le personnage en constante évolution de Violette , figure centrale de sa récente série. Son travail s'appuie sur une philosophie qui valorise le savoir ancestral tout en remettant en question les conceptions coloniales de l'identité caribéenne. Ce faisant, elle confère à ses figures – des femmes noires et métisses – une force tranquille , défiant ainsi les représentations stéréotypées ou touristiques. Kelly Sinnapah Mary, Le Livre de Violette : Le Rosaire , 2025. Acrylique sur toile. Photo : Erin Brady, Dan Briadica Studio. Courtoisie de l’artiste et de James Cohan, New York/Paris. Langage visuel et distinction Les personnages de Sinnapah Mary sont d'une sobriété assumée, privilégiant l'intériorité et la présence . Loin du spectacle et de l'excès, elle peint des femmes sereines, conscientes d'elles-mêmes et profondément ancrées dans leur monde. Sa pratique redéfinit la féminité caribéenne par l'image, révélant la force subtile du calme et de la contemplation. Carnet du Non-Retour : Mémoires, 2022, de Kelly Sinnapah Mary. Acrylique sur toile, triptyque. Courtoisie de l’artiste et d’Aicon, New York. Pourquoi est-ce important ? Dans un monde de l'art globalisé, souvent guidé par la rapidité et le spectacle, l'œuvre de Kelly Sinnapah Mary invite à l'attention, à la délicatesse et à la réflexion. Elle offre au spectateur une manière intime, authentique et profonde de se connecter à la culture caribéenne, rappelant que la représentation est autant une question de présence que de visibilité. Vivez votre travail Découvrez davantage de peintures et de techniques de Kelly Sinnapah Mary sur son compte Instagram ou à travers ses expositions, notamment The Book of Violette , sa première exposition avec James Cohan à New York.

En ce début d'année, les artistes et créateurs caribéens ont l'opportunité de développer leur pratique, d'intégrer des réseaux internationaux, d'accéder à des financements et d'approfondir leur démarche artistique. Vous trouverez ci-dessous une sélection d' appels à candidatures, de résidences, de bourses et de programmes de soutien à la création proposés par des institutions régionales et internationales, dont certains se clôturent en janvier 2026. Expositions – Mettez en valeur votre travail Société royale des artistes britanniques | Exposition annuelle 2026 Date limite : 9 janvier 2026 Médiums : Peinture, sculpture, dessin, estampes originales. Prix : Plus de 20 000 £ de prix Dates de l'exposition : du 26 février au 7 mars 2026 Lieu : Mall Galleries, Londres (galerie + en ligne) Détails : Appel à candidatures ouvert aux exposants souhaitant participer, aux côtés des membres de la RBA, à leur prestigieuse exposition annuelle. Pour en savoir plus et candidater, cliquez ici . Résidences – Du temps et de l’espace pour créer Résidence à Rome pour le dessin, la peinture et la sculpture (Royaume-Uni et Commonwealth) Date limite : 9 janvier 2026 Durée : 6 mois (septembre 2026 – mars 2027) Admissibilité : Artistes en début ou en milieu de carrière travaillant dans le domaine de la peinture, du dessin ou de la sculpture, originaires du Royaume-Uni ou des pays du Commonwealth (y compris Antigua-et-Barbuda, les Bahamas, la Barbade, le Belize, la Dominique, la Grenade, le Guyana, la Jamaïque, Saint-Kitts-et-Nevis, Sainte-Lucie, Saint-Vincent-et-les-Grenadines, Trinité-et-Tobago). Détails : Résidence à la British School in Rome, en collaboration avec la Bridget Riley Arts Foundation. Plus d’informations et candidature . Worthless Studios — Photographe résident Date limite : 20 janvier 2026 Durée : 1 mois Prix : allocation de 1 500 $, accès à la chambre noire, aux films et au papier photographique. Critères d'admissibilité : Photographes argentiques et artistes travaillant avec la photographie, de l'international. Détails : Résidence dans une chambre obscure d’une caravane Airstream, avec possibilité d’organiser un programme public. En savoir plus et candidater . Résidence au Houston Contemporary Craft Center Date limite : 1er février 2026 Durée : 3 à 12 mois Admissibilité : Artistes internationaux Détails : Accès à un studio 24 h/24 et 7 j/7, perfectionnement professionnel et culturel, allocation mensuelle de 1 000 $ (logement et matériel inclus) et possibilité de donner une conférence sur l’art. Pour en savoir plus et postuler , cliquez ici. Résidence de création artistique – Greywood Arts (Irlande) Date limite : en cours Durée : Flexible Admissibilité : Artistes internationaux en artisanat, photographie, dessin, peinture, sculpture, techniques mixtes ou nouveaux médias. Détails : Accès à des studios et à un hébergement dans un cadre historique irlandais pour se consacrer à des projets créatifs. Renseignez-vous et candidatez . Artiste en résidence à la ferme Olepangi (Kenya) Date limite : en cours Durée : 6 à 18 semaines Critères d’admissibilité : artistes visuels, écrivains, musiciens et professionnels multidisciplinaires internationaux. Détails : Résidence de type retraite offrant un cadre naturel propice à la réflexion et au développement de projets. En savoir plus et candidater . Résidence à la galerie Ou (Canada) Date limite : en cours Durée : Variable Admissibilité : Artistes internationaux en peinture, sculpture, photographie, dessin, cinéma/nouveaux médias ou techniques mixtes. Détails : Résidence paisible sur l’île de Vancouver, axée sur l’expérimentation et la création. En savoir plus et candidater . Subventions et bourses : financement pour soutenir votre pratique Prix d'amorçage du Fonds Prince Claus Date limite : 8 janvier 2026 Critères d’admissibilité : Artistes émergents ayant moins de cinq ans de pratique professionnelle. Détails : Financement flexible de 5 000 € pour des projets artistiques à vocation sociale et politique. Les artistes caribéens peuvent candidater avec le soutien de fonds culturels locaux. Pour en savoir plus et candidater, cliquez ici . Bourse de la Fondation Pollock-Krasner Date limite : en cours Admissibilité : Peintres, sculpteurs et artistes internationaux travaillant sur papier, y compris les graveurs. Détails : Financement jusqu’à 50 000 $ US pour un an. Les subventions sont attribuées aux artistes en fonction de leurs besoins financiers et de leur expérience en matière d’expositions. Pour en savoir plus et déposer votre candidature, cliquez ici. Subventions créatives Muze Date limite : en cours Admissibilité : Artistes de toutes disciplines. Détails : Financement sans restriction de 10 000 $ US pour des projets créatifs ambitieux, tous supports confondus. Pour en savoir plus et soumettre votre candidature, cliquez ici . Programme de soutien aux artistes Jack Straw 2026 Date limite : en cours Critères d’admissibilité : Artistes internationaux travaillant avec le son, la narration audio, les installations, les médias numériques ou les pratiques multidisciplinaires. Détails : La bourse comprend du temps d’étude gratuit, une aide à la production et des prix équivalents sélectionnés. Pour en savoir plus et candidater , cliquez ici. Programme de subventions d'urgence Adolph et Esther Gottlieb Date limite : en cours Critères d'admissibilité : Peintres, sculpteurs et graveurs confirmés justifiant d'au moins 10 ans d'expérience professionnelle. Détails : Aide financière d’urgence (généralement 5 000 $) pour les crises imprévues, comme les urgences médicales ou la perte de biens. Pour en savoir plus et faire une demande , cliquez ici. Que vous ayez besoin d'espace pour développer de nouvelles œuvres, d'un soutien financier pour vos projets ou d'une aide d'urgence, janvier 2026 offre de multiples possibilités pour renforcer votre pratique artistique et vous connecter à des réseaux internationaux. Pour découvrir d'autres opportunités, consultez Caribbean Opportunities.

À l'approche de la fin de l'année 2025, nous avons dressé un bilan de la scène artistique caribéenne. Aucun moment décisif ni tournant majeur ne s'est dégagé. L'année a été marquée par le mouvement, l'activité, les échanges et la continuité. Le travail s'est poursuivi, malgré le déplacement de l'attention et des ressources vers d'autres domaines. Ce mouvement s'est manifesté par des expositions, des espaces en ligne, des résidences, des événements régionaux et des collaborations internationales. Les artistes ont poursuivi leur travail avec détermination, souvent sans soutien institutionnel, sans structures solides ni visibilité régulière. Même lorsque les ressources étaient limitées ou que l'attention faiblissait, leur travail a continué. Des événements majeurs tels que Carifesta XV et la foire d'art Fuse ont marqué la région. Certains de ces moments ont contribué à unir le monde de l'art caribéen de manière significative. Même après leur passage, leur impact s'est fait sentir. Il en émanait une inspiration discrète, une intuition de ce qui pourrait advenir et de ce qui est possible lorsque artistes, organisateurs et public se rassemblent autour d'un objectif commun. La diaspora a également joué un rôle important cette année. Notre attention s'est tournée vers l'extérieur, et avec elle, fierté et joie. Voir des créateurs caribéens comme Kelly Sinnapah Mary , Daveed Baptiste et Patrick Eugene réussir à l'étranger nous a rappelé notre rayonnement et notre influence. Ces moments ont été précieux. Ils ont renforcé les liens transfrontaliers et conforté l'idée que l'art caribéen s'épanouit aussi bien chez nous que dans le monde entier. Cette année a également été marquée par le souvenir et la documentation. Expositions, publications et plateformes numériques ont permis de célébrer, de documenter et de partager des réalisations culturelles. Un retour à la mémoire et à l'histoire, impulsé par des commissaires d'exposition comme Lisa Howie et O'Neil Lawrence , s'est clairement imposé. Non pas par nostalgie, mais par questionnement. Des artistes ont revisité archives, histoires familiales et récits oubliés pour en saisir la portée actuelle. Dans les lieux marqués par l'oubli, se souvenir demeure un acte puissant. Les artistes ont poursuivi leurs explorations de matériaux et de formats. Nombre d'entre eux passaient avec aisance de la peinture au film, à la performance, au son et à l'installation. Il ne s'agissait pas d'expérimentation gratuite, mais d'un reflet de la réalité. L'expérience caribéenne a toujours été complexe, et les œuvres en témoignaient sans chercher à la simplifier. Un autre aspect qui s'est révélé évident cette année est l'importance du travail communautaire dans ce domaine. Des événements comme le Cayo Festival , l'Aruba Art Fair , la Cayman Art Week et l'Antigua-et-Barbuda Art Week ont créé des plateformes qui n'existaient pas auparavant. Les artistes ont également créé leurs propres espaces, se sont soutenus mutuellement et ont bâti des plateformes là où il n'y en avait pas. Les espaces en ligne, les projets autogérés et les réseaux informels sont devenus essentiels. Ils ont permis la circulation des idées, la visibilité des œuvres et la poursuite des échanges. Parallèlement, cette année nous a rappelé les lacunes qui persistent. La visibilité reste inégale dans toute la région. La documentation peine souvent à suivre le rythme de la production. Les discussions sur le financement, le soutien à long terme et les infrastructures culturelles demeurent limitées et incohérentes. Plus que tout, le monde de l'art caribéen nous a offert cette année une preuve de persévérance. Les artistes ont continué à créer, à collaborer et à participer, même avec un soutien minimal. Cette continuité est essentielle. En fin d'année, la question n'est pas de savoir si le travail est fait. De toute évidence, il l'est. La véritable question est de savoir si nous sommes prêts à mettre en place les systèmes et le soutien nécessaires pour garantir que ce travail soit non seulement visible, mais aussi durable. Et en repensant à l'année 2025, nous pourrions aussi nous demander : avons-nous manqué des moments qui ont véritablement fait progresser l'art caribéen ? Rédigé en collaboration avec les contributeurs de Caribalent.

Avec l'arrivée de 2026 dans les Caraïbes, artistes, créateurs et professionnels de la culture ont de nouvelles opportunités d'approfondir leur pratique, de se connecter aux réseaux internationaux et de diffuser la richesse artistique de la région. Le début d'une nouvelle année est toujours un moment de réflexion, de gratitude et de détermination – des valeurs qui trouvent un écho particulier au sein de la communauté artistique caribéenne. Au cours de l'année écoulée, les artistes caribéens ont continué de surmonter les obstacles, explorant des approches interdisciplinaires et consolidant leur présence sur la scène régionale et internationale. Des arts visuels à la performance, en passant par les médias numériques et l'artisanat, leur travail se caractérise par la résilience, l'innovation et le dialogue. L’année 2026 promet une programmation riche et variée de résidences, de bourses, d’expositions et d’appels à projets, offrant aux artistes des espaces d’expérimentation, de collaboration et de développement. Pour beaucoup, ces opportunités dépassent le simple cadre du perfectionnement professionnel et englobent les échanges culturels et l’intégration des récits caribéens dans les débats internationaux. Caribalent reste déterminé à amplifier ces voix. À travers une sélection de ressources, d'articles et d'actualités, nous soutenons les artistes qui continuent de façonner la scène artistique caribéenne. En ce début d'année, le message est clair : le travail se poursuit avec détermination, courage et vision. Des opportunités à l'horizon Les artistes et créateurs peuvent bénéficier de résidences en Europe, en Amérique et dans les Caraïbes, ainsi que de programmes de financement adaptés aux professionnels en début et en milieu de carrière. Se tenir informé et saisir ces opportunités contribuera à l'épanouissement de la créativité dans la région en 2026. Pour les artistes, par les artistes Cette année, Caribalent invite les artistes caribéens à réfléchir à leur parcours, à célébrer leurs réussites et à saisir les opportunités que l'avenir leur réserve. Que ce soit par l'expérimentation, la collaboration ou le partage de leurs œuvres avec les publics locaux et internationaux, 2026 est l'année idéale pour aller de l'avant avec détermination et poursuivre le travail essentiel de promotion de l'art caribéen.

À l’ère de l’innovation numérique et de la connectivité, le monde de l’art connaît une transformation profonde avec l’essor des expositions d’art virtuelles. Ces expositions, hébergées entièrement en ligne, remettent en question les notions traditionnelles de galeries et élargissent l’accessibilité et la portée de l’art de manière sans précédent. Nous explorons ici comment les expositions d’art virtuelles façonnent l’avenir des galeries et le paysage culturel au sens large. Adopter l’accessibilité et l’inclusivité L’un des avantages les plus importants des expositions d’art virtuelles est leur capacité à démocratiser l’accès à l’art. Contrairement aux galeries physiques qui nécessitent des déplacements et ont souvent des horaires restreints, les expositions virtuelles sont accessibles à toute personne disposant d’une connexion Internet, transcendant ainsi les frontières géographiques. Cette accessibilité favorise l’inclusivité en accueillant des publics divers qui n’ont peut-être pas les moyens ou l’opportunité de visiter les galeries traditionnelles. Les expositions virtuelles s’adressent également aux personnes handicapées, en offrant des fonctionnalités telles que des descriptions audio, des lecteurs d’écran et du texte alternatif pour les images, ce qui rend l’appréciation de l’art plus inclusive que jamais. Engagement et interaction améliorés Les galeries traditionnelles limitent souvent l’interaction avec les œuvres d’art en raison de contraintes physiques et de la nécessité de préserver les pièces délicates. Les expositions virtuelles, en revanche, exploitent la technologie numérique pour renforcer l’engagement. Les visiteurs peuvent zoomer sur des images haute résolution, explorer des descriptions détaillées et même interagir avec des éléments multimédias tels que des vidéos ou des expériences de réalité virtuelle qui offrent un aperçu plus approfondi du processus créatif de l’artiste. De plus, les plateformes virtuelles permettent aux artistes de présenter leurs œuvres de manière innovante. Ils peuvent expérimenter des installations numériques, des environnements immersifs et des techniques de narration interactive qui engagent les spectateurs de manière dynamique et participative. Surmonter les limites physiques Les galeries physiques sont confrontées à des limites inhérentes en termes d’espace et de capacité. Les conservateurs doivent faire des choix difficiles quant aux œuvres d’art à exposer et à la manière de les disposer dans les limites de leur lieu. Les expositions virtuelles éliminent ces contraintes physiques, ce qui permet de proposer des vitrines plus vastes pouvant présenter un plus large éventail d’artistes et d’œuvres d’art. Les conservateurs peuvent organiser des expositions sans être limités par des limites spatiales, offrant ainsi aux spectateurs une expérience artistique plus complète et plus diversifiée. Durabilité environnementale et économique L’impact environnemental des galeries traditionnelles, du transport à l’éclairage et à la climatisation, est considérable. Les expositions virtuelles réduisent considérablement cette empreinte environnementale en éliminant le besoin de déplacements physiques et en réduisant la consommation d’énergie associée à l’entretien des espaces de galerie. Cela s’aligne sur les efforts mondiaux en faveur de la durabilité et encourage les pratiques respectueuses de l’environnement au sein de l’industrie de l’art. De plus, les expositions virtuelles peuvent être plus viables économiquement pour les artistes et les galeries. Elles réduisent les frais généraux associés à l’entretien des espaces physiques, ce qui permet de réorienter les ressources vers le soutien aux artistes et d’élargir les efforts de sensibilisation. Défis et considérations Malgré leurs nombreux avantages, les expositions d’art virtuelles posent également des défis. L’expérience tactile et sensorielle de la visualisation d’œuvres d’art en personne ne peut pas être entièrement reproduite en ligne. Certains soutiennent que les plateformes numériques peuvent marchandiser l’art ou nuire à l’aura d’authenticité associée aux œuvres d’art physiques. En outre, la culture numérique et l’accès à la technologie restent des obstacles pour certains publics, limitant l’inclusivité des expositions virtuelles. Assurer un accès équitable à l’art reste une considération cruciale à mesure que le paysage numérique continue d’évoluer. Conclusion Les expositions d’art virtuelles représentent un changement de paradigme dans le monde de l’art, offrant des opportunités sans précédent en matière d’accessibilité, d’engagement et de durabilité. Bien qu’elles complètent plutôt qu’elles ne remplacent les galeries physiques, leur capacité à transcender les limites géographiques et physiques en fait une force puissante pour façonner l’avenir de l’expression culturelle. À mesure que la technologie progresse et que les limites de la créativité sont continuellement repoussées, les expositions d’art virtuelles continueront probablement d’évoluer, enrichissant le paysage culturel et redéfinissant la façon dont nous vivons et apprécions l’art à l’ère numérique.

Ingrid Pollard, née au Guyana, est une photographe et artiste multimédia pionnière dont l'œuvre remet en question depuis longtemps les idées reçues sur la race, l'identité et l'appartenance. Née en 1953 à Georgetown, au Guyana, et ayant grandi à Londres, Pollard n'a cessé d'interroger qui peut se sentir chez soi dans les paysages britanniques, notamment dans les espaces ruraux. Sa pratique artistique se concentre sur la visibilité, la mémoire et les enjeux politiques, souvent discrets, liés au lieu. En tant que membre fondatrice de la Black Photographers Association, un collectif créé pour soutenir et promouvoir les photographes issus de minorités raciales, Pollard a joué un rôle crucial dans la transformation du langage visuel de la vie au sein de la communauté noire britannique. Son travail s'oppose aux représentations réductrices ou stéréotypées, proposant au contraire des récits complexes qui rendent compte de l'histoire, du déracinement et de la résilience. Sa série de 1995 , « Évident », demeure l'une de ses œuvres les plus importantes. Elle met en scène des hommes et des femmes noirs dans la campagne anglaise, chacun tenant des objets évoquant la culture afro-caribéenne et le passé économique colonial britannique. Des coquillages aux figues de Barbarie, ces objets agissent comme des symboles silencieux mais puissants, reliant le paysage à des récits de migration, de travail et d'empire. Une quiétude se dégage de ces images attire le regard du spectateur, l'invitant à s'arrêter et à réfléchir à la présence et à l'absence. À travers ces portraits soigneusement composés, Pollard explore la tension entre appartenance et exclusion, présence et invisibilisation. En plaçant des corps noirs dans des décors ruraux souvent perçus comme exclusivement blancs, elle remet en question des notions profondément ancrées d'identité nationale et d'appropriation de l'espace. La campagne devient plus qu'un simple paysage ; elle devient un miroir reflétant qui a été vu, qui a été ignoré, et pourquoi. La démarche de Pollard est délibérée et sobre. Il évite le spectaculaire, laissant la quiétude et les détails subtils exprimer le sens. Chaque image invite à la contemplation plutôt qu'à l'instruction, incitant le spectateur à reconsidérer ses idées reçues sur l'histoire, le pouvoir et la place qu'il attribue au paysage britannique. Aujourd'hui, Ingrid Pollard demeure une figure influente de la photographie contemporaine et de l'art multimédia. Son œuvre continue de toucher plusieurs générations, offrant aux artistes un cadre pour aborder les questions de race et d'identité avec nuance, plutôt qu'avec des affirmations explicites. « Self-Evident » témoigne avec force du pouvoir de la photographie à révéler ce qui a longtemps été occulté, transformant les récits culturels par un impact subtil mais durable.

Acheter de l’art est important. Cela soutient directement les artistes, affirme la valeur de leur travail et permet à beaucoup de poursuivre leur pratique. Pour celles et ceux qui peuvent acheter, cela demeure l’une des formes de soutien les plus significatives. Cependant, tout le monde n’a pas les moyens financiers de collectionner de l’art. Limiter le soutien à l’achat seul risque d’exclure une grande partie de la communauté et de restreindre notre compréhension de ce que signifie prendre soin de la culture. Caribalent existe parce que nous croyons que la culture caribéenne n’est pas seulement une marchandise. Elle est savoir, travail, histoire, imagination et construction de l’avenir. Soutenir les artistes inclut donc les transactions, mais ne peut s’y limiter. Cela exige un engagement sous de multiples formes. Voici des manières dont cet engagement peut être mis en pratique, en particulier pour celles et ceux qui ne sont pas en mesure d’acheter de l’art. La visibilité est un soutien Les artistes caribéens continuent de façonner la culture visuelle mondiale, mais ils ne reçoivent toujours pas suffisamment de reconnaissance et leur visibilité reste limitée. Partager l'œuvre d'un artiste est un acte actif. Mentionnez clairement son nom. Ajoutez du contexte lors du partage. Expliquez l'importance de son travail. La visibilité ouvre des portes vers des commandes, des résidences, une reconnaissance institutionnelle et des carrières à long terme. Se présenter au travail La présence des participants est une preuve. Les salles vides servent souvent à justifier une réduction des financements, une diminution du nombre d'invitations et un moindre intérêt institutionnel. Assistez à des expositions, des fresques murales, des conférences et des projections. Soutenez les artistes émergents et en milieu de carrière, pas seulement les artistes confirmés. Invitez d'autres personnes à vous rejoindre. Cette présence indique que la culture caribéenne mérite d'être reconnue. Plaider auprès des instances du pouvoir De nombreux artistes caribéens restent absents des espaces de prise de décision, tels que les comités de conservation, les jurys d'attribution de subventions, les réunions de marques et les salles de classe. Si vous fréquentez ces galeries, mettez en avant les artistes caribéens. Citez leurs œuvres. Remettez en question l'idée reçue selon laquelle la créativité caribéenne serait marginale ou décorative. La défense redistribue l'accès. Engagez-vous dans les idées Les artistes caribéens sont des penseurs. Leur œuvre véhicule théorie, critique, mémoire et spéculation. Lisez les déclarations des artistes. Posez des questions pertinentes. Allez au-delà des considérations esthétiques superficielles. L'art caribéen mérite un engagement intellectuel, et non une simple consommation. Respectez l'œuvre artistique Soutenir, c'est aussi refuser l'exploitation. Ne sollicitez pas de travail non rémunéré en échange de visibilité. N’exploitez pas les connaissances culturelles sans consentement ni compensation. Respectez les limites, les échéances et les accords. Une culture durable repose sur le respect. Préserver la mémoire culturelle L’histoire de l’art caribéen est fragile. Une grande partie reste non documentée, mal attribuée ou effacée. Conservez vos essais, entretiens et comptes rendus d'expositions. Écrivez sur les artistes dont l'œuvre vous a marqué. Faites référence à leurs contributions longtemps après que l'événement soit passé. Se souvenir est un acte de résistance. Renforcer l'écosystème Soutenir les artistes, c'est aussi soutenir les plateformes qui hébergent et amplifient leur travail. Collaborez avec les publications, collectifs et archives artistiques caribéennes. Diffusez les opportunités, les appels à projets et les ressources. Proposez vos compétences, le cas échéant, notamment en rédaction, documentation ou production. Les écosystèmes favorisent la longévité. Rejeter les récits étroits L'art caribéen ne se limite pas au patrimoine, aux traumatismes ou à la nostalgie. C'est futuriste, politique, expérimental, ludique et radical. Exigez une représentation qui reflète toute la complexité de l'imaginaire caribéen. Le soutien est une pratique culturelle L'achat d'œuvres d'art est une forme de soutien, mais n'en constitue pas le fondement. La culture survit grâce à l'attention, au soin, à la défense des intérêts culturels et à la mémoire collective. Chez Caribalent, nous croyons que soutenir les artistes caribéens implique de s'intéresser à leur travail avec intention, respect et un engagement à long terme. C'est une pratique culturelle, pas une transaction.

Dans une économie créative mondiale où la question de la valorisation, du financement et de la pérennisation des récits reste débattue, la récente distinction de Daveed Baptiste par le CFDA marque un tournant dans la reconnaissance et l'investissement dans la création culturelle. Il ne s'agit pas simplement d'une réussite personnelle, mais bien de la reconnaissance croissante des voix de la diaspora comme forces culturelles et économiques essentielles. L'œuvre de Baptiste s'est toujours démarquée du spectaculaire au profit du fond. Puisant dans son héritage caribéen, les migrations et son vécu, sa pratique se situe au croisement de la mode, du textile, de la photographie et de la mémoire culturelle. Ce qui distingue sa démarche, ce n'est pas seulement l'esthétique, mais aussi l'intention : le design comme méthode d'archivage de l'identité, de questionnement de l'histoire et de reconquête de la paternité de récits souvent édulcorés ou déformés. Le designer haïtien Daveed Baptiste dans son atelier, entouré de croquis et d'études de matériaux pour ses travaux en cours. Pour les plateformes qui investissent dans l'entrepreneuriat culturel et la souveraineté créative, le parcours de Baptiste illustre ce qui devient possible lorsque les artistes bénéficient de ressources illimitées. Le prix « Empowered Vision » du CFDA réaffirme cette position, non seulement par le biais de la subvention ou du mentorat, mais aussi parce que cet investissement témoigne d'un engagement envers les créateurs dont le travail considère la culture comme une propriété intellectuelle et le récit comme une infrastructure. Vue de l'installation Ti Maché (2023) de Daveed Baptiste, qui présente des vêtements sculpturaux et des formes textiles. Né à Port-au-Prince et ayant grandi à Miami, le langage créatif de Baptiste reflète les espaces intermédiaires familiers à nombre de membres de la diaspora – des lieux où coexistent mémoire, déracinement, résilience et renaissance. Ses projets ne cherchent pas à traduire la culture pour la consommation. Ils insistent sur la complexité, honorant les nuances plutôt que de les simplifier à l'extrême. De cette manière, son travail s'inscrit dans un mouvement croissant de créateurs redéfinissant le succès selon leurs propres termes. Alors que les institutions internationales commencent peu à peu à reconnaître la valeur des designers qui puisent leur inspiration dans les réalités culturelles, le parcours de Baptiste offre un modèle à suivre. Un modèle où l'héritage n'est pas un simple point de référence, mais un fondement. Où le design n'est pas qu'un produit, mais une position. Daveed Baptiste, lauréat du prix CFDA Empowered Vision Award à New York. Il ne s'agit pas seulement d'une victoire pour un créateur. C'est un rappel que la paternité culturelle devient rapidement l'une des monnaies les plus précieuses de l'économie créative mondiale .