L'artiste barbadien Rae Garnes réunit portraits, abstraction et réflexions sur le patrimoine, la mémoire et la communauté dans « Remembering Identity », sa première exposition solo à la Caribbean Art Gallery de Speightstown. Ouverte au public du 2 au 14 novembre 2026, cette exposition marque une étape importante dans le parcours créatif de l'artiste. La Galerie d'art caribéen de Speightstown, à la Barbade, présente « Se souvenir de son identité », une exposition solo de l'artiste barbadienne Rae Garnes. Du 31 octobre au 14 novembre, l'exposition invite les visiteurs à découvrir une collection empreinte d'expériences personnelles, de liens culturels et d'expression artistique. Explorant le croisement entre patrimoine, mémoire et liberté artistique, l'exposition « Se souvenir de son identité » réunit diverses dimensions de la pratique artistique de Garnes. À travers des portraits de famille, d'amis et de voisins, des représentations d'environnements urbains, des compositions florales et paysagères, ainsi que des œuvres abstraites, l'exposition invite à une réflexion sur la multiplicité des manières dont l'identité se construit et s'exprime. La collection explore des thèmes familiers comme des approches plus expérimentales. Les portraits mettent l'accent sur les relations et les expériences partagées, tandis que les paysages urbains reflètent le rythme du quotidien. Ses œuvres florales et paysagères témoignent d'un profond respect pour la nature, tandis que l'abstraction offre un espace d'exploration au-delà des formes reconnaissables. Pour Garnes, l'abstraction demeure essentielle. Elle constitue le fondement de sa pratique artistique et lui offre la possibilité de s'exprimer librement à travers divers matériaux et techniques, tels que le pinceau, le stylo et les techniques mixtes. Dans certains aspects de son œuvre abstraite, on perçoit l'influence d'artistes comme Ras Ishi Butcher et Jean-Michel Basquiat, aux côtés de son propre langage visuel en constante évolution. À propos de Rae Garnes Né à la Barbade en 1981, Garnes a commencé à expérimenter avec différents matériaux créatifs dès son enfance, travaillant le papier, le fil de fer et la pâte à modeler. Autodidacte pour la plupart, il a ensuite suivi une formation au sein du Programme de réussite des jeunes de la Barbade et du Community College. En 2007, il a été nommé Jeune artiste de l'année. Sa contribution à la scène artistique de la Barbade dépasse largement le cadre des espaces d'exposition. Garnes a réalisé plusieurs projets d'art public, dont la fresque de sensibilisation au VIH/SIDA à Eden Lodge, la fresque du complexe sportif Deacons Community Sports et l'œuvre « Remembering Us » pour la Commission nationale de la conservation. En 2024, il a également achevé une installation murale représentant un rubaroc à l'amphithéâtre Marcus Garvey. Son expérience dans le secteur culturel comprend un poste d'assistante conservatrice à la Queens Park Gallery et de membre du jury des concours Junior et Grand Kadooment. Elle a également fait partie de la délégation de la Barbade au CARIFESTA au Suriname en 2008. « Remembering Identity » représente la première exposition solo de Garnes, réunissant des années d'exploration artistique et d'engagement communautaire dans une présentation qui offre au public un aperçu plus approfondi de son parcours créatif. Visitez l'exposition Les amateurs d'art et les visiteurs de la Barbade peuvent découvrir l' exposition « Remembering Identity » à la Caribbean Art Gallery, située sur Queen's Street à Speightstown, dans la paroisse de Saint-Pierre. Exposition : Se souvenir de l'identité Artiste : Rae Garnes Dates : du 2 au 14 novembre 2026 Horaires d'ouverture : Du lundi au vendredi : de 10h00 à 16h00. Samedi : 10h00 – 14h00 Lieu : Galerie d'art des Caraïbes, Queen's Street, Speightstown, St. Peter, Barbade. Crédits photographiques : Photographies fournies par Disa Forde-Cook. Vidéo fournie par N. Frank Holder.

Des résidences d'artistes internationales aux opportunités d'exposition, en passant par les subventions et les concours créatifs, voici dix opportunités que les artistes et les professionnels de la création peuvent envisager en novembre. Les artistes souhaitant développer leur pratique, exposer à l'international ou obtenir des financements pour leurs projets à venir trouveront plusieurs opportunités en novembre. La sélection comprend des résidences d'artistes au Canada et aux États-Unis, des concours internationaux, des appels à candidatures pour des expositions en Europe et des bourses pour les artistes émergents et confirmés. Que vous travailliez dans les arts visuels, la photographie, l'animation, le design, le cinéma ou des pratiques multidisciplinaires, ces opportunités offrent différentes façons de développer votre travail, d'entrer en contact avec de nouveaux publics et d'accéder à des ressources créatives. Voici quelques opportunités dont la date limite est en novembre 2026. Résidences Résidence en arts visuels : Un son semblable à celui d'une montagne Organisée par le Banff Centre for Arts and Creativity, cette résidence d'artistes de cinq semaines explore les liens entre le son, la mémoire, l'écologie et notre relation à la terre. Le programme offre aux artistes l'opportunité de développer leur pratique artistique grâce à des travaux en atelier, des ateliers et du mentorat. Lieu : Banff Centre for Arts and Creativity, Alberta, Canada Dates : du 17 mai au 18 juin 2027 Conditions requises : Artistes visuels internationaux et duos âgés de plus de 18 ans, à n’importe quel stade de leur carrière. Date limite : 18 novembre 2026 Prix : Bourse couvrant les frais de scolarité, l'hébergement, les repas, l'espace d'étude, les ateliers et le tutorat. Résidence d'artiste à The Factory La résidence d'artistes Factory offre aux artistes amateurs et émergents un programme de résidence et de travail de 12 semaines pour développer leur pratique créative dans un environnement stimulant. Ouverte aux professionnels de toutes les disciplines artistiques, la résidence se conclut par une exposition ou une présentation publique des œuvres de l'artiste. Lieu : Manchester, New Hampshire, États-Unis Durée : 12 semaines Conditions d'admission : Ce programme s'adresse aux artistes de plus de 21 ans qui sont citoyens américains, résidents permanents ou titulaires d'un visa de travail américain valide pour une durée minimale de six mois. Il est principalement destiné aux artistes amateurs et émergents. Date limite : 30 novembre 2026 Prix : Studio avec espace de vie et de travail, charges et internet inclus, allocation voyage de 350 USD et 1 600 USD pour la nourriture et le matériel artistique. Candidature gratuite. Programme de résidence d'artistes du Sanford Underground Research Center 2027 Le Sanford Underground Research Centre (SURF) invite des artistes et des créateurs professionnels du monde entier à développer des œuvres inspirées par la recherche scientifique souterraine, l'histoire minière, l'environnement et l'infrastructure du centre. Ouvert à de multiples disciplines, dont les arts visuels, le cinéma, l'écriture, la musique et les arts du spectacle, ce programme offre aux artistes la possibilité de s'intéresser aux découvertes scientifiques et d'explorer les liens entre l'art, la science et le lieu. Lieu : Lead, Dakota du Sud, États-Unis Période de résidence : Visite de quatre semaines en présentiel durant l'été 2027, suivie d'une visite d'une semaine pour une exposition et une conférence en tant que conférencier invité en octobre 2027. Profil recherché : Artistes et professionnels créatifs internationaux justifiant d’au moins cinq ans d’expérience professionnelle. La priorité sera donnée aux candidats ayant fait leurs preuves. Date limite : 1er novembre 2026 à 23h59 (heure des Rocheuses). Prix : Une bourse de 5 000 $US pour l’artiste, un financement supplémentaire pouvant atteindre 5 000 $US pour le projet, la prise en charge des frais de voyage, d’hébergement et de repas lors des séjours en résidence, un espace de travail et un accès guidé au centre de recherche souterrain. Les artistes sélectionnés auront également l’opportunité d’exposer leurs œuvres et de donner une conférence. Bourses et concours Bourse MAKE pour les thèses d'animation 2026 MAKE invite les étudiants en animation de dernière année du monde entier à soumettre une demande de financement pour la réalisation de courts métrages d'animation originaux dans le cadre de leur mémoire. Les candidatures individuelles ainsi que celles d'équipes d'étudiants de licence et de master sont les bienvenues. Les candidats doivent soumettre un concept et un traitement de projet, un portfolio de travaux d'animation antérieurs, un énoncé des objectifs et une proposition de financement détaillant comment la subvention soutiendra leur production. Conditions requises : Étudiants en dernière année d’animation (Baccalauréat en beaux-arts/Arts) et de maîtrise en beaux-arts/Arts (Maîtrise en animation) du monde entier. Date limite : 6 novembre 2026 à minuit (heure de l'Est) Prix : Trois subventions : Premier prix : 2 000 dollars américains Deuxième place : 1 000 $ US Troisième place : 500 dollars américains Utilisation des fonds : Frais de production tels que logiciels, équipements, voix off, montage, conception sonore, étalonnage des couleurs, licences musicales et inscription aux festivals de cinéma. Les bénéficiaires conservent l'intégralité des droits de propriété intellectuelle sur leurs projets. Le 9e prix John Ruskin : Ne pas savourer immédiatement. Le prix John Ruskin revient pour sa neuvième édition et invite artistes, designers et créateurs à explorer le thème « Pas pour le plaisir immédiat ». Ouvert aux professionnels et amateurs du monde entier, le concours accepte les candidatures issues d'un large éventail de disciplines et de techniques. Une sélection d'œuvres sera exposée à Trinity Buoy Wharf, à Londres. Lieu : Londres, Royaume-Uni Profil recherché : Artistes, designers et créateurs du monde entier, amateurs et professionnels. Date limite : 17 novembre 2026 à 17h00 (heure du Royaume-Uni). Prix : Cinq prix d'une valeur totale de 10 000 £ : Premier prix : 3 000 livres sterling Prix Alan Davidson pour les moins de 26 ans : 1 000 livres sterling Prix Ruskin Mill Trust : 3 000 livres sterling Prix du Chelsea Arts Club : 2 500 livres sterling Prix du public GreatArt : 500 £ de matériel d’art. Nous acceptons les propositions de peinture, dessin, sculpture, photographie, textile, art numérique, installation et performance. Concours de photographie anthologique 2026 Le concours photographique Anthology invite les photographes à soumettre des images individuelles illustrant le thème « Le monde tel que vous le voyez ». Le concours accepte un large éventail de styles photographiques et est ouvert aux photographes de tous niveaux d'expérience. Localisation : Internationale / En ligne Conditions requises : Les photographes de tous âges, niveaux et nationalités sont invités à participer . Date limite : 30 novembre 2026 Prix : 500 € en espèces et une mention éditoriale dans un prochain numéro du magazine Anthology. Prix du billet : 18 € Le nombre de participants n'est pas limité. Appels à candidatures pour les expositions Appel à candidatures pour les galeries : Lyon, France Huge Gallery invite des artistes du monde entier, notamment des artistes caribéens, à participer à une exposition collective gratuite à Lyon. Cette initiative s'adresse aux artistes de diverses disciplines et propose des options d'exposition physiques et numériques. Lieu : 53 Cours Tolstoï, 69100 Villeurbanne, Lyon, France Dates de l'exposition : du 4 au 6 décembre 2026 Profil recherché : Artistes internationaux de toutes disciplines. Date limite : 18 novembre 2026 Frais d'inscription : gratuits Nous acceptons les propositions de peinture, de photographie, de sculpture, d'art numérique et de techniques mixtes. Appel à candidatures important pour les galeries : Londres Les artistes sont invités à soumettre leurs œuvres pour une exposition à thème libre organisée par la Huge Gallery de Londres. Cette opportunité est ouverte aux artistes émergents comme aux artistes confirmés travaillant avec des techniques traditionnelles et contemporaines. Lieu : The Factory, 21–31 Shacklewell Lane, Londres E8 2DA, Royaume-Uni Dates de l'exposition : du 27 au 29 novembre 2026 Critères recherchés : Artistes émergents et confirmés du monde entier. Date limite : 16 novembre 2026 Frais d'inscription : gratuits Les supports acceptés comprennent la peinture, la photographie, la sculpture, les techniques mixtes et l'art numérique. Appel à candidatures Arch Enemy Arts 2027 La galerie Arch Enemy Arts de Philadelphie accepte les candidatures internationales pour son exposition annuelle Spotlight Showcase. Cet appel à candidatures s'adresse aux artistes figuratifs, surréalistes et contemporains, utilisant divers médiums traditionnels. Les artistes sélectionnés auront l'opportunité d'exposer et de vendre leurs œuvres par le biais de la galerie. Lieu : Philadelphie, Pennsylvanie, États-Unis Conditions requises : Artistes âgés de 18 ans et plus, du monde entier. Les artistes dont le travail a été accepté lors d’un appel à candidatures d’Arch Enemy Arts au cours des trois dernières années ne sont pas admissibles. Date limite : 13 novembre 2026 Prix : Exposition collective, possibilité de vendre des œuvres d'art et visibilité dans des galeries internationales. Art public et projets collaboratifs Appel à projets pour Beam Camp 2027 Le Beam Center invite les artistes, designers, architectes, ingénieurs, cinéastes, musiciens et autres professionnels créatifs du monde entier à proposer une œuvre d'art ambitieuse et de grande envergure pour son programme Beam Camp 2027. Le projet sélectionné sera réalisé en collaboration par plus de 100 jeunes du camp, ce qui leur offrira l'opportunité d'explorer l'art participatif, l'apprentissage créatif et la collaboration à grande échelle. Lieu : Strafford, New Hampshire, États-Unis Achèvement du projet : été 2027 Profil recherché : Artistes et professionnels créatifs du monde entier. Date limite : 30 novembre 2026 à 23h59 (heure de l'Est des États-Unis) Prix : 5 000 $US pour le porteur du projet sélectionné, plus un budget d’environ 15 000 $US pour la fabrication. Les frais de déplacement raisonnables seront également remboursés aux porteurs de projet sélectionnés invités à participer au camp. Les propositions devraient encourager la créativité, l'apprentissage pratique et la collaboration. Explorez davantage d'opportunités Trouver la bonne opportunité peut ouvrir la voie à de nouvelles expériences, des contacts professionnels et des possibilités de développement créatif. Il est conseillé aux artistes d'examiner attentivement les modalités de chaque candidature, notamment les critères d'admissibilité, les conditions de financement et les coûts associés, avant de soumettre leur candidature. Découvrez davantage de bourses, de résidences, d'expositions, de concours et de commandes via le Centre d'opportunités de Caribalent , qui propose une sélection soigneusement choisie d'opportunités pour les créatifs nés et résidant dans les Caraïbes, ainsi que pour la communauté créative au sens large.

Un an après le passage dévastateur de l'ouragan Melissa sur certaines régions de la Jamaïque, une sculpture monumentale à Montego Bay rend hommage à la force, à la solidarité et à l'entraide qui continuent de façonner le redressement du pays. Un an après le passage dévastateur de l'ouragan Melissa en Jamaïque, un nouveau monument à Montego Bay rappelle avec force ce que signifie se relever ensemble. Intitulé « Ensemble, nous nous relevons » , ce monument de 19 mètres de haut est l'œuvre du célèbre sculpteur jamaïcain Scheed Cole. Commandée par Christopher Issa, PDG de S Hotels Jamaica, la sculpture a été inaugurée à l'hôtel S situé sur Jimmy Cliff Boulevard à Montego Bay, à l'occasion du premier anniversaire de l'ouragan. Plus qu'un hommage à la reconstruction, le monument explore la force que recèle le lien humain, attirant l'attention sur la compassion et l'effort collectif qui ont émergé au lendemain de la catastrophe. La sculpture représente des mains entrelacées et des figures humaines se tendant la main pour s'entraider, illustrant l'importance de la solidarité dans les moments difficiles. À son point culminant, un Arbre de Vie symbolise le renouveau et l'espoir, et intègre 14 plantes médicinales représentant les 14 paroisses de la Jamaïque. Sa hauteur de 62 pieds est également symbolique, faisant référence à 1962, année où la Jamaïque a obtenu son indépendance. Pour Cole, le message véhiculé par cette œuvre est à la fois national et profondément personnel. Sa compréhension de l'importance de l'entraide trouve ses racines dans ses propres expériences d'enfance, qui ont façonné son approche de la sculpture. Le monument intègre également des éléments de l'expérience de la Jamaïque lors de l'ouragan Melissa, transformant des images de survie, de reconstruction et de soutien communautaire en une œuvre d'art publique durable. Commandité et soutenu par Christopher Issa et S Hotels Jamaica, ce projet témoigne de l'investissement du secteur privé dans l'art public et le paysage culturel de Montego Bay. Plus de 35 spécialistes jamaïcains, soudeurs, fabricants, artisans et peintres, ont contribué à la réalisation de cette installation ambitieuse. En intégrant des matériaux recyclés et des débris récupérés dans les communautés touchées par l'ouragan, la sculpture transforme également les vestiges de la destruction en un symbole de renouveau. Située le long de l'un des axes touristiques les plus réputés de Montego Bay, l'œuvre « Together We Rise » enrichit considérablement le paysage artistique public jamaïcain, tout en plaçant le talent artistique local au cœur d'un récit national. Alors que le pays continue de faire face aux conséquences persistantes de l'ouragan Melissa, le monument véhicule un message qui dépasse sa simple dimension physique : la reconstruction n'est pas une entreprise individuelle. Elle se construit grâce à la compassion, à la responsabilité partagée et à la volonté de s'entraider. Dans sa forme imposante, Together We Rise capture une vérité simple mais durable sur l'esprit jamaïcain : nous sommes plus forts lorsque nous nous élevons ensemble.

Les photographes Alan Smith et Radi Konstantinov explorent les vestiges du chemin de fer jamaïcain dans une exposition organisée par Emma Miles, qui ouvrira ses portes à Kingston le 27 novembre. Que reste-t-il d'une voie ferrée lorsque les trains cessent de circuler ? En Jamaïque, la réponse se trouve dans les constructions, les paysages et les communautés qui se sont développés autour de ses anciens tracés. « Life on the Line », une exposition photographique à venir d'Alan Smith et Radi Konstantinov, met en lumière ces vestiges de l'histoire ferroviaire de l'île. À travers la photographie, le projet documente les vestiges de la voie ferrée et les environnements qui l'entourent désormais. Des tronçons de rails, des structures délabrées et la végétation qui reconquiert le paysage constituent un témoignage visuel d'une infrastructure qui reliait autrefois les communautés de l'île. L'exposition retrace le voyage des photographes sur le réseau ferroviaire jamaïcain, s'appuyant sur le travail de documentation réalisé par Smith sur cet itinéraire en 2001. En 2025, Smith et Konstantinov ont entrepris un voyage de 112 kilomètres entre Spanish Town et Port Antonio, photographiant ce qui subsiste en chemin. Plutôt que de présenter le chemin de fer comme un simple vestige historique, « Life on the Line » met en lumière sa présence constante dans le paysage jamaïcain. Les photographies invitent à réfléchir à l’évolution des lieux, à la reconversion des infrastructures et à la persistance des traces du passé dans le quotidien. Organisée par Emma Miles, l'exposition rassemble une documentation photographique dans un espace partagé de la Jamaica Railway Corporation à Kingston. Les visiteurs pourront contempler ces paysages à travers les images et réfléchir aux liens entre l'environnement bâti de la Jamaïque, son histoire et ses habitants. Pour ceux qui connaissent l'histoire du chemin de fer jamaïcain, l'exposition offre un aperçu plus approfondi de ce qui perdure au-delà des récits les plus connus de son exploitation. Pour les autres, elle constitue une porte d'entrée vers un aspect moins exploré du paysage physique et culturel de la Jamaïque. L’exposition « Life on the Line » sera ouverte au public du 27 novembre au 6 décembre 2026 à la Jamaica Railway Corporation, située au 142, rue Barry, à Kingston. Le vernissage aura lieu le vendredi 27 novembre. Détails de l'exposition Exposition : La vie sur la ligne Photographes : Alan Smith et Radi Konstantinov Commissaire d'exposition : Emma Miles Dates : du 27 novembre au 6 décembre 2026 Vernissage : vendredi 27 novembre 2026 Lieu : Jamaica Railway Corporation, 142 Barry Street, Kingston RSVP : Pour assister à la réception d'ouverture le vendredi 27 novembre, veuillez confirmer votre présence sur lifeonthelineja.com/rsvp .

L'artiste plasticien dominicain Angurria a achevé Un MAR de Gente / From Every Shore , une fresque monumentale recouvrant la tour résidentielle Morrisania Air Rights de 29 étages dans le Bronx, à New York. L'œuvre transforme la façade du bâtiment en une célébration des personnes, des cultures et des générations qui façonnent la communauté environnante, apportant l'expression artistique caribéenne à un espace public de premier plan. Un portrait de la communauté à travers les générations La composition de la fresque se déploie à travers des images qui représentent la famille, la diversité culturelle et l'avenir. En haut, une figure maternelle soulève un enfant, évoquant la sollicitude et l'attention portées aux générations futures. La partie centrale célèbre la diversité des habitants et des influences culturelles du Bronx, notamment sa musique et sa vie communautaire. En bas, des enfants représentent la jeunesse, la joie et les espoirs qui s'offrent à nous. Prises ensemble, ces images dressent le portrait d'une communauté façonnée par des expériences partagées, des expressions culturelles et des espoirs pour la génération future. Les artistes à l'origine de la fresque La performance de Un MAR de Gente / From Every Shore était dirigée par Angurria, avec le soutien des artistes Dovente et Son Coro. Cette collaboration a réuni des contributions artistiques diverses pour matérialiser la vision de la fresque à une échelle extraordinaire, transformant la tour résidentielle en une toile qui célèbre les habitants et le patrimoine culturel du quartier environnant. Ce projet d'envergure a également bénéficié de la participation de Fernando Ortiz, natif du Bronx et figure emblématique de l'intégration communautaire. En collaboration avec Angurria, Ortiz a animé une démarche participative qui a placé les histoires et les points de vue des habitants au cœur de la création artistique. Un art enraciné dans la communauté La fresque, commandée par ArtBridge, a été réalisée en collaboration avec le Public Housing Community Fund et d'autres partenaires du projet, avec le soutien du M·A·C VIVA GLAM Fund. Pendant plusieurs mois, des ateliers ont été organisés, réunissant des résidents, des jeunes du quartier et des représentants de la communauté afin de recueillir des témoignages et des points de vue qui ont contribué à façonner la conception finale. Le résultat dépasse la simple vision d'un artiste. Il allie pratique artistique et engagement communautaire pour créer une œuvre d'art publique dans laquelle les habitants peuvent se reconnaître, ainsi que leurs histoires et leurs identités. L'art caribéen dans l'espace public Pour les artistes caribéens, l'art public offre l'opportunité de diffuser des récits culturels dans des espaces fréquentés quotidiennement par des milliers de personnes. À travers Un MAR de Gente / From Every Shore , Angurria et ses collaborateurs font dialoguer l'expression artistique caribéenne avec la diversité des identités et des expériences du Bronx. La fresque invite également à une réflexion plus large sur la représentation : quelles histoires sont visibles dans l’espace public, quelles histoires sont célébrées et comment l’art peut aider les communautés à se voir reflétées dans les environnements qu’elles habitent. Du haut de ses 88 mètres, la fresque impose le regard par sa taille imposante. Cependant, sa véritable signification réside tout autant dans les personnes et les expériences qu'elle évoque. L'exposition « A SEA of People / From Every Shore » nous rappelle que la créativité caribéenne s'étend au-delà des espaces d'exposition traditionnels, trouvant son expression dans les rues, les quartiers et les environnements partagés où la culture se vit au quotidien.

Après 17 ans dans les Caraïbes, la foire d'art réunira plus de 35 artistes à Harlem du 20 au 22 novembre, exposant des œuvres provenant de toute la Caraïbe et de la diaspora en général. La foire des beaux-arts des Caraïbes (CaFA Fair) arrive pour la première fois à New York, réunissant des artistes de toutes les Caraïbes et de sa diaspora lors d'un événement de trois jours à Harlem. Du 20 au 22 novembre 2026, la première édition de la Foire des Beaux-Arts des Caraïbes se tiendra à New York, au Centre culturel caribéen et Institut de la diaspora africaine (Ile Oyin), situé au 208, rue 126 Est. Selon les organisateurs, plus de 35 artistes originaires de 10 pays des Caraïbes y participeront, ainsi que des artistes du Ghana, du Nigeria et des États-Unis. L’édition new-yorkaise marque un nouveau chapitre pour cet événement qui, depuis 17 ans, a consolidé sa présence dans les Caraïbes. Son expansion offre l’opportunité de faire découvrir à un public plus large des artistes dont les pratiques reflètent la diversité des histoires, des identités et des expériences culturelles de la région. L'art caribéen à l'honneur. Les artistes participants utilisent des approches variées, offrant aux visiteurs différentes perspectives sur la vie caribéenne, le patrimoine et la pratique artistique contemporaine. Parmi eux figure l'artiste jamaïcain Bernard Stanley Hoyes, dont l'œuvre s'inspire des traditions spirituelles afro-caribéennes, notamment de la spiritualité africaine et du christianisme. Né en Jamaïque, Hoyes a mené une carrière internationale ; ses œuvres sont exposées et collectionnées dans de nombreux pays. La Jamaïque est également représentée par Nicolle Blackwood, diplômée du Edna Manley College of the Visual and Performing Arts, dont les œuvres ont été exposées aux États-Unis, au Canada et dans les Caraïbes. Son parcours artistique s'étend au monde de la mode avec Nicolle Nish, la marque de vêtements qu'elle dirige à Kingston. L'artiste barbadien Malique Shorey est également participant. Son travail, qui mêle peinture, sculpture et narration, explore comment les œuvres d'art transcendent les formats traditionnels. Sa participation à l'édition barbadienne de CaFA en 2019 a contribué à faire connaître son œuvre aux collectionneurs internationaux, notamment aux États-Unis. La liste plus large comprend l'artiste portoricain Diogenes Ballester, dont le travail explore l'histoire orale, la mémoire, la mythologie, le rituel et l'identité culturelle, ainsi que l'artiste guyanais Carl F. Anderson, connu pour sa série géométrique Ribbon et ses peintures photoréalistes. Collectivement, ces artistes témoignent de la diversité des pratiques représentées à la foire, allant des explorations de la mémoire culturelle et de la spiritualité aux approches qui abordent la forme, l'identité et la narration. Un point de rencontre pour les diasporas caribéenne et africaine. Le choix de Harlem comme lieu d'exposition confère une dimension supplémentaire à l'événement. Grâce à ses liens profonds avec la vie culturelle afro-américaine, le quartier offre un cadre idéal pour une exposition qui favorise le dialogue entre les artistes caribéens, le public et les communautés de la diaspora africaine. La présence d'artistes du Ghana et du Nigéria, aux côtés de participants des Caraïbes et des États-Unis, confère à la foire une dimension internationale. Elle offre ainsi l'opportunité d'explorer diverses perspectives artistiques au sein d'un espace commun, tout en reconnaissant la singularité des histoires et des expériences qui inspirent chaque pratique. Pour les artistes caribéens, participer à des foires d'art internationales offre l'opportunité de toucher de nouveaux publics, d'établir des relations avec des collectionneurs et de nouer des liens avec d'autres acteurs du monde de l'art. La première édition de la foire CaFA à New York étend sa portée à une métropole internationale majeure, où l'art caribéen peut être apprécié aux côtés d'œuvres issues d'autres contextes culturels. Cet événement offre également aux New-Yorkais l'opportunité de rencontrer des artistes dont le travail est peut-être moins visible sur la scène artistique établie de la ville. Détails de l'événement La première édition de la Foire des Beaux-Arts des Caraïbes à New York aura lieu du 20 au 22 novembre 2026 au Caribbean Cultural Center African Diaspora Institute, Ile Oyin, situé au 208 East 126th Street, Harlem, New York. Pour plus d'informations sur les artistes participants, les œuvres d'art et les actualités de l'événement, veuillez consulter le site web officiel de la foire CaFA .

Quitter les Caraïbes ne signifie pas forcément renoncer à sa culture. Parfois, ce lien se manifeste de façon inattendue : dans un rayon de supermarché, dans une chanson diffusée par des écouteurs, ou dans une expression familière qui surgit spontanément dans une conversation. Pour les Caribéens vivant à l'étranger, ces moments peuvent raviver un sentiment de familiarité dans des lieux qui, autrement, sembleraient très éloignés de chez eux. Pour d'autres, ce lien se maintient grâce à la vie dans la région, à travers les personnes, les lieux et les expériences qui rythment leur quotidien. Cependant, la culture est rarement confinée à un lieu précis. Elle se transmet en grande partie par les habitudes que nous développons, les valeurs que nous valorisons et les choix que nous faisons quant à ce à quoi nous voulons nous accrocher. Ces petites choses qui nous font rentrer à la maison Quiconque a vécu loin de chez soi sait que quelque chose d'apparence ordinaire peut soudainement devenir important lorsqu'il est plus difficile à trouver. Il peut s'agir de chercher une épice particulière dans un supermarché inconnu, de trouver les ingrédients nécessaires pour préparer un plat de votre enfance, ou d'entendre une chanson qui vous transporte instantanément dans un lieu et une époque précis. Même le son d'accents familiers dans une pièce bondée peut rendre une ville inconnue un peu moins étrange. Ces expériences sont personnelles, mais elles révèlent aussi comment la culture se vit au-delà des occasions festives habituelles. Elle est présente dans les routines quotidiennes, les blagues partagées, les recettes de famille et les expressions qui se suffisent à elles-mêmes. Pour certains, ces liens deviennent plus évidents avec la distance. Des choses qui paraissaient autrefois banales peuvent prendre un sens différent lorsqu'elles cessent de faire partie du quotidien. Créer un espace pour la créativité caribéenne Notre relation avec notre foyer peut aussi influencer les objets avec lesquels nous choisissons de vivre. Un tableau représentant un paysage familier, une photographie d'un quartier, un bijou artisanal ou un textile créé par un designer caribéen peuvent insuffler une dimension personnelle à un lieu. Ces objets n'ont pas besoin de représenter une île identifiable ni de faire référence à une tradition particulière pour avoir une signification. Parfois, il suffit de savoir qui les a fabriqués, d'où ils viennent ou ce qu'ils symbolisent pour nous. C’est une façon pour l’art et le design caribéens de s’intégrer à la vie quotidienne, au lieu d’être cantonnés aux galeries, aux expositions ou aux événements culturels. L’achat d’œuvres d’artistes caribéens, la collection d’estampes, le port de vêtements de créateurs régionaux ou le choix d’articles fabriqués localement contribuent également à soutenir les pratiques artistiques dans toute la région. Pour les artistes et les créateurs, ces liens permettent à leur travail de toucher un public plus large, dans des foyers et des communautés bien au-delà des lieux de création. La relation est réciproque. Une œuvre d'art peut rappeler à quelqu'un son foyer, faire découvrir à une autre personne un lieu qu'elle n'a jamais visité, ou offrir une perspective différente sur une culture qu'elle pensait connaître. Préserver les traditions et se les approprier. La culture évolue au gré des déplacements de population et des générations. Les traditions nées dans un environnement peuvent se transformer dans un autre, façonnées par les circonstances et les expériences de ceux qui les transmettent. Une famille pourrait continuer à préparer les mêmes plats à l'étranger, même si certains ingrédients sont difficiles à trouver. Les parents pourraient faire découvrir à leurs enfants la musique de leur enfance, tandis que ces derniers découvriraient des artistes caribéens contemporains grâce aux réseaux sociaux. Les amis pourraient perpétuer les traditions de leurs pays d'origine tout en inventant de nouvelles façons de célébrer ensemble. Chacun ne vivra pas ces liens de la même manière. Une personne ayant grandi en Jamaïque peut avoir un rapport différent à l'identité caribéenne qu'une personne élevée au Royaume-Uni par des parents jamaïcains, ou qu'une personne dont la famille est originaire de différentes régions de la région. Cela ne rend pas une expérience plus authentique qu'une autre. Cela reflète la diversité des manières dont l'identité culturelle se développe à travers la famille, la communauté, la géographie et l'expérience personnelle. La culture au-delà de la nostalgie On a tendance à associer l'identité culturelle à un regard tourné vers le passé : souvenirs d'enfance, traditions familiales et lieux que nous avons quittés. Bien que ces liens soient importants, la culture caribéenne se construit aussi dans le présent. Dans toute la région et au sein de sa diaspora, artistes, designers, musiciens, écrivains et autres créateurs explorent de nouvelles manières d'interpréter leurs expériences. Leurs œuvres reflètent la vie contemporaine, l'évolution des identités, les réalités sociales et des influences qui transcendent les frontières. Participer à ce type de projets offre une autre façon de se connecter avec les Caraïbes, que ce soit en découvrant un nouvel artiste, en lisant le dernier livre d'un auteur caribéen, en explorant des marques de mode indépendantes ou en suivant des communautés créatives dans différentes parties de la région. De plus, cela élargit le débat au-delà de la simple préservation de l'existant. La culture caribéenne ne se transmet pas par héritage ; elle se crée, se questionne et se réinvente sans cesse par ceux qui y participent. Retrouver son propre chemin vers la maison Il n'existe pas une seule façon de garder un lien avec les Caraïbes. Pour certains, cela peut signifier parler leur langue maternelle en famille. Pour d'autres, ce sera peut-être découvrir un pays où ils n'ont jamais vécu, soutenir des artistes de la région ou initier leurs enfants aux traditions qu'ils souhaitent leur faire connaître. Certains liens sont délibérés. D'autres se tissent sans trop y penser, par le biais d'habitudes et de préférences qui font désormais partie intégrante de notre personnalité. Pour les habitants des Caraïbes, le rapport au foyer peut être tout aussi varié. Un environnement familial n'implique pas nécessairement un sentiment d'appartenance à tous les aspects de la culture. Ce lien peut aussi se construire et s'enrichir au fil du temps. C’est peut-être ce qui rend la notion de foyer si personnelle. Ce n’est pas seulement un lieu dont on se souvient ou où l’on retourne, mais aussi quelque chose que l’on continue de définir à travers nos expériences, nos relations et nos choix. Parfois, le lien se tisse simplement en reconnaissant quelque chose de familier dans un lieu inattendu. D'autres fois, il naît de la découverte d'un aspect nouveau d'une culture que l'on croyait connaître. Dans tous les cas, la maison peut continuer à faire partie de nos vies sans pour autant impliquer que nous devions rester sur place.

Le festival, qui durera deux jours, transformera Ciudad Nueva en un lieu de rencontre pour l'art, les spectacles vivants, la gastronomie et l'expression créative les 7 et 8 novembre 2026. Les rues de Ciudad Nueva, à Saint-Domingue, seront à nouveau un lieu de rencontre pour la créativité dominicaine lors du retour du festival CAYE les 7 et 8 novembre 2026. Créé pour célébrer l'identité, l'histoire et l'avenir de la République dominicaine, CAYE rassemble diverses formes d'expression créative lors d'un événement qui transcende la musique et le divertissement. Le festival vise à accroître la visibilité des industries créatives du pays et à contribuer au développement du premier quartier créatif de Saint-Domingue. Durant le festival, les visiteurs pourront profiter d'une programmation variée alliant musique, danse, théâtre, gastronomie, art et activités pour enfants. Des performances de peinture en direct sont également proposées, intégrant les arts visuels aux spectacles et autres activités culturelles. La diversité du programme confère au festival un large attrait, invitant le public à découvrir la créativité dominicaine à travers différentes disciplines et à interagir avec les personnes, les pratiques et les idées qui façonnent le paysage culturel du pays. Au cœur de CAYE réside une vision de la culture comme expérience collective. En investissant les rues de Ciudad Nueva par la création artistique, le festival tisse des liens entre l'expression artistique et l'environnement urbain, offrant ainsi aux habitants l'opportunité de se rencontrer, de découvrir les talents locaux et d'appréhender la ville autrement. L'accent mis sur un quartier créatif témoigne également d'une ambition plus large qui dépasse le cadre du festival. CAYE considère l'activité créative comme essentielle au développement de l'identité de Saint-Domingue, au soutien de ses industries créatives et à la construction de son avenir. Détails du festival Le festival CAYE 2026 aura lieu le samedi 7 novembre et le dimanche 8 novembre à Ciudad Nueva, à Saint-Domingue, en République dominicaine. Le festival se déroule de 15h à 23h les deux jours . Les organisateurs confirment que l'événement est ouvert à tous, avec un espace dédié aux enfants proposant des jeux, des ateliers, des activités artistiques et bien d'autres choses encore. Les animaux de compagnie sont les bienvenus et les informations concernant le stationnement seront communiquées via leurs canaux officiels. Pour ceux qui souhaitent explorer la scène créative de la République dominicaine, CAYE offre la possibilité de découvrir l'art, la musique, la gastronomie et l'expression culturelle dans un espace public partagé. Pour acheter des billets et obtenir plus d'informations, veuillez consulter le site web officiel du festival CAYE .

Lorsqu'une communauté a besoin d'une fresque murale, qui devrait avoir l'opportunité de la créer ? Une récente controverse à Bristol, au Royaume-Uni, a suscité un débat plus large sur l'intelligence artificielle, les artistes et les opportunités créatives. Une fresque murale générée par une intelligence artificielle a été installée sur la façade du pub Jolly Colliers à Bedminster, un quartier réputé pour son art urbain. La fresque représente des monuments emblématiques de Bristol, tels que le pont suspendu de Clifton et des montgolfières. La réaction de la communauté créative locale a été immédiate. Des artistes et des habitants ont critiqué le choix d'un motif généré par une intelligence artificielle et ont apposé une lettre sur le bâtiment, le qualifiant d'« insulte » aux artistes. Des artistes locaux ont également affirmé qu'ils auraient été prêts à réaliser eux-mêmes la fresque. Et l'emplacement compte. Bedminster accueille Upfest, un important festival d'art urbain qui réunit des artistes pour peindre des fresques murales et propose également des ateliers, des conférences, des expositions et d'autres événements créatifs. Bristol a bâti une part importante de son identité culturelle autour de sa scène d'art urbain. Ainsi, les critiques ne se limitaient pas à la simple question de savoir si les gens aimaient ou non la fresque. C'était une opportunité . Pour un artiste, une fresque murale est bien plus qu'une simple peinture sur un mur. Elle peut constituer un travail rémunéré, une occasion de se faire connaître, de développer son portfolio, d'élargir son réseau et de contribuer durablement à la vie de sa communauté. Par conséquent, la question liée à cet incident dépasse les frontières de Bristol. Et les Caraïbes ? Notre région regorge de talents créatifs. Nous avons des peintres. Illustrateurs. Muralistes. Graphistes. Des conteurs visuels. Et bien plus encore. Dans toutes les Caraïbes, des artistes créent déjà des œuvres qui reflètent nos histoires, nos communautés, nos identités et nos expériences quotidiennes. Ils comprennent les lieux qu'ils représentent parce qu'ils y vivent. Alors, lorsqu'un hôtel a besoin d'œuvres d'art, lorsqu'un espace public a besoin d'une fresque, lorsqu'une entreprise souhaite une identité visuelle distinctive, ou lorsqu'une communauté veut raconter son histoire à travers l'art, à qui choisissons-nous d'offrir ces opportunités ? L'IA peut être un outil. Les artistes peuvent l'utiliser, expérimenter avec elle et l'intégrer à leurs processus créatifs. Mais il y a une différence entre utiliser la technologie comme un outil créatif et l'utiliser comme excuse pour ne pas confier un travail à un être humain alors que cette opportunité aurait pu être donnée à un artiste. Finalement, la fresque murale de Bristol a été retirée. Les propriétaires du pub ont déclaré que la fresque de l'IA n'était qu'une solution temporaire et qu'ils comptaient collaborer avec des artistes locaux et la communauté pour créer une fresque permanente. Peut-être les Caraïbes devraient-elles prendre certains éléments en considération avant que nous nous retrouvions à avoir la même conversation. Avant de recourir à l'IA, posez-vous la question suivante : À quel artiste caribéen puis-je commander une œuvre ? Parce que notre région n'a pas besoin de chercher des talents créatifs à l'extérieur d'elle-même. Parfois, il suffit de créer davantage d'opportunités pour les talents déjà présents.

Cette œuvre d'art impressionnante célèbre la diversité de New York, rassemblant générations, cultures et communautés, notamment les Caribéens qui contribuent à façonner la ville. L'artiste plasticien dominicain Angurria est sur le point d'achever une fresque monumentale dans le Bronx, à New York, transformant un immeuble résidentiel en une célébration vibrante des peuples et des cultures qui composent la ville. Située dans les Morrisania Air Rights Houses, près de l'intersection de la 158e Rue Est et de Park Avenue, la fresque s'étend sur environ 29 étages. Les médias dominicains estiment sa hauteur entre 79 et 88 mètres, la décrivant comme la plus haute fresque des États-Unis. En haut de la composition, une femme aux bigoudis porte un enfant joyeux sur ses épaules. En bas, une foule animée d'hommes et de femmes de tous âges et de toutes origines est en fête, tandis que des enfants jouent parmi eux. Certains portent des maillots des Knicks de New York et d'autres vêtements associés à la ville, ancrant ainsi la scène dans le quotidien et l'identité de l'arrondissement. Ensemble, ces chiffres dressent le portrait d'une ville marquée par la diversité, où coexistent des personnes d'origines, de générations et d'expériences culturelles différentes. Les Caribéens font partie intégrante de ce tableau, reflétant les communautés dont l'histoire et les contributions ont contribué à façonner New York. Une célébration de la diversité de New York Au lieu de se concentrer sur une seule nationalité ou un seul groupe culturel, la fresque d'Angurria rassemble les personnes qui font de New York ce qu'elle est. L'association de familles, d'enfants qui jouent, de vêtements de sport et de références culturelles familières confère à la composition un sentiment de vie quotidienne, de communauté et d'appartenance partagée. La femme aux bigoudis évoque de manière familière la culture dominicaine et caribéenne. Les boucles sont omniprésentes dans les foyers et les salons de beauté dominicains, associées aux rituels de beauté, à la vie familiale et aux liens communautaires. Sur la fresque, cette image s'intègre à une scène beaucoup plus vaste, participant ainsi à une célébration plus large de l'identité multiculturelle de New York. Ce carrefour est particulièrement significatif dans le Bronx, qui abrite une importante communauté dominicaine ainsi que des personnes originaires des Caraïbes et du reste du monde. Le caractère culturel de cet arrondissement reflète des générations de migrations, d'échanges et de construction communautaire. En juxtaposant des détails culturels familiers à des références reconnaissables à New York, Angurria crée une œuvre qui reflète la pluralité des identités qui coexistent dans la ville. La représentation caribéenne est intégrée à ce récit plus vaste, et non présentée isolément. Élever l'art public à de nouveaux sommets Angurria, également connu sous le nom d'Omar García, est un artiste visuel, illustrateur, directeur artistique et muraliste dominicain dont la carrière englobe l'illustration, le travail commercial et l'art public à grande échelle. Son œuvre s'inspire fréquemment d'expériences quotidiennes et de références culturelles, qu'il transforme en compositions visuelles uniques. La fresque du Bronx représente un défi technique considérable. D'après la presse dominicaine, l'artiste a utilisé des lunettes de réalité virtuelle Meta pour visualiser et explorer cette vaste surface. Le coût estimé de la peinture et des aérosols s'élève à environ 100 000 dollars américains, témoignant des ressources nécessaires à la réalisation d'un projet de cette envergure. Sa hauteur a également suscité l'attention, les médias la décrivant comme la plus haute des États-Unis. Bien que ses dimensions définitives et toute certification officielle n'aient pas encore été vérifiées de manière indépendante, l'ampleur du projet est indéniable. Reflet des personnes qui font une ville. L'art public peut transformer notre rapport aux lieux qui nous entourent, en faisant sortir la création artistique des galeries et des musées pour l'intégrer aux espaces communautaires du quotidien. À cette échelle, la fresque d'Angurria métamorphose une façade résidentielle en un repère visuel partagé. Son sujet est aussi important que son ampleur. La foule en liesse, les enfants qui jouent et les vêtements ordinaires offrent un aperçu de la vie quotidienne, présentant la diversité non comme une idée abstraite, mais comme une réalité tangible chez les habitants d'un même quartier. Pour le public caribéen, la fresque rappelle également le rayonnement culturel de la région au-delà de ses frontières géographiques. Les Caribéens font partie intégrante des communautés qui façonnent des villes comme New York, contribuant à leur identité, à leurs traditions et à leur quotidien. Alors que le projet touche à sa fin, la fresque d'Angurria célèbre la diversité des communautés new-yorkaises et les influences culturelles qui les unissent. À travers une œuvre monumentale ancrée dans le quotidien, l'artiste dépeint une ville dont l'identité se façonne sans cesse sous l'impulsion de ses habitants. Sources : Betterave et National News Network, octobre 2026. La hauteur annoncée de la fresque et l'affirmation selon laquelle il s'agirait d'un record aux États-Unis nécessitent une confirmation indépendante.

L’artiste haïtien Edouard Duval-Carrié puise son inspiration dans la spiritualité vaudou, l’histoire et la diaspora haïtienne pour créer des œuvres nuancées qui examinent l’identité, la mémoire culturelle et les expériences qui façonnent la vie haïtienne. À travers sa pratique artistique, Duval-Carrié aborde l'histoire complexe et les traditions culturelles d'Haïti, mêlant références spirituelles et récits historiques pour explorer comment le passé continue d'influencer le présent. L'artiste fait l'objet d'un documentaire de la National Gallery of Art de Washington, D.C., qui offre aux spectateurs un aperçu plus approfondi de sa pratique artistique et des idées, histoires et influences culturelles qui façonnent son œuvre. Ce documentaire offre l'occasion d'en apprendre davantage sur la démarche artistique de Duval-Carrié et sur la manière dont elle s'inspire de l'histoire et de la spiritualité haïtiennes pour explorer des questions plus larges d'identité, d'appartenance et de mémoire collective. Vous pouvez visionner le documentaire complet sur la chaîne YouTube de la National Gallery of Art.

La quatrième édition de la foire d'art contemporain se tiendra à Nassau du 21 au 25 octobre 2026, sous le thème « Retour à la maison ». Ce mois-ci, la scène artistique contemporaine caribéenne sera à l'honneur à Nassau, aux Bahamas, avec le retour de la foire d'art FUZE Caribbean pour sa quatrième édition, réunissant plus de 100 artistes et plus de 20 galeries, musées et institutions culturelles de toute la région et d'ailleurs. Du 21 au 25 octobre, Baha Mar accueille FUZE, la section officielle des arts visuels du Festival culinaire et artistique des Bahamas. Depuis son lancement en 2023, ce salon offre une plateforme à l'art contemporain caribéen, mettant en relation artistes, galeries, collectionneurs, conservateurs, institutions culturelles et public à travers des expositions, des débats et des opportunités d'échanges culturels. Explorer le sens du foyer Cette édition a pour thème « Le retour aux sources », invitant le public à réfléchir à la notion de foyer au-delà de sa seule dimension géographique. À travers des concepts tels que l’identité, la mémoire, l’appartenance et la communauté, ce thème explore les liens qui façonnent la manière dont les individus se perçoivent et perçoivent leur relation aux lieux qu’ils considèrent comme leur chez-soi. Ce thème fait également allusion aux expériences des Caribéens dont la vie et les pratiques créatives s'étendent sur plusieurs territoires. Dans une région marquée par les migrations, la diaspora et les échanges culturels, le foyer peut représenter un lieu physique, une histoire partagée ou un lien qui perdure par-delà les frontières. À travers ses expositions et installations, FUZE offre l'opportunité de découvrir les différentes manières dont les artistes contemporains interprètent ces expériences, en s'appuyant sur des histoires personnelles, des identités culturelles et les réalités changeantes de la vie caribéenne. Un exemple de créativité caribéenne FUZE 2026 présentera une variété de pratiques artistiques, notamment la peinture, la sculpture, la photographie, l'installation et les œuvres multidisciplinaires. Les participants représentent plus de dix pays des Caraïbes, ainsi que des collaborateurs des Amériques, d'Afrique et du Royaume-Uni. Parmi les artistes invités figure Charles Campbell, artiste jamaïcain dont la pratique interdisciplinaire explore l'histoire, l'identité et les récits culturels des Caraïbes. Participent également les artistes bahaméens Lavar Munroe, April Bey et Antonius Roberts OBE, ainsi que Deborah Jack, artiste multidisciplinaire née à Saint-Martin et installée dans le New Jersey, et l'artiste bahaméen Desmond Beach. Leurs pratiques reflètent la diversité des perspectives qui façonnent l'art caribéen contemporain, allant des explorations de l'histoire et de l'identité aux approches multidisciplinaires qui remettent en question les frontières artistiques conventionnelles. Parmi les galeries et institutions culturelles participantes figurent la galerie TERN, The Current : Baha Mar Gallery & Art Center et la Galerie Myrtis, ainsi que d’autres exposants régionaux et internationaux. Leur participation inscrit les pratiques artistiques caribéennes au sein d’un vaste réseau de galeries, d’institutions et de publics. Au-delà de la zone d'exposition Outre ses expositions et installations, FUZE proposera des tables rondes, des ateliers, des rencontres avec les artistes, des présentations universitaires (les « Pulse Talks ») et des démonstrations artistiques en direct. Le programme offre au public l’opportunité d’explorer les idées, les processus et les perspectives qui sous-tendent les œuvres exposées. L'éducation et l'accès du public font également partie intégrante du programme de la foire. Grâce au soutien de la Fondation Baha Mar et de la Banque Scotia, des centaines d'élèves de New Providence devraient participer à des visites éducatives, permettant aux jeunes de découvrir l'art contemporain et les pratiques créatives présentées à la foire. FUZE étend également son programme au-delà de Nassau grâce au Blue Floor Project, une initiative présentée lors de la Miami Art Week en collaboration avec SCOPE Art Show. Ce projet met en lumière une sélection d'art contemporain caribéen auprès de nouveaux publics, contribuant ainsi à accroître le rayonnement international de la foire et la visibilité de la scène artistique de la région. Visite de la foire d'art FUZE Caribbean 2026 La foire d'art FUZE Caribbean se tiendra du 21 au 25 octobre 2026 au Baha Mar de Nassau, aux Bahamas, dans le cadre du Bahamas Culinary and Art Festival. L'entrée générale coûte 35 $ US plus TVA, tandis que le pass Culture Guru de cinq jours coûte 80 $ US plus TVA et offre un accès illimité à FUZE pendant toute la durée du salon. Pour obtenir des billets, des détails sur l'événement et des informations supplémentaires, veuillez consulter le site Web officiel de FUZE Caribbean Art Fair . Avec son retour sous le thème « Retour aux sources », la foire FUZE offre une plateforme pour découvrir toute la richesse de l'art contemporain caribéen et les idées qui le façonnent aujourd'hui. À travers des expositions, une programmation publique et des collaborations internationales, elle continue de créer des opportunités pour que la création artistique de la région touche de nouveaux publics, tout en renforçant les liens entre l'art caribéen et le reste du monde.